Crueldade escandinava

Por Sérgio Siscaro

Não li o livro, e nem assisti à adaptação feita nos EUA. Assim, esta crítica em cima da versão sueca do primeiro livro da trilogia Millennium, de Stieg Larsson – intitulada Os Homens Que Não Amavam as Mulheres  (Män Som Hatar Kvinnor, de2009) – será focada fundamentalmente no filme em si. Questões como a fidelidade da adaptação terão de esperar até eu ler a obra original. 

O filme é bom – uma história focada basicamente na crueldade de homens contra mulheres (daí o título, claro!) e na vingança que uma delas consegue executar. Talvez este seja um dos principais motivos que tornou o livro um best-seller alguns anos atrás (e que levou Hollywood a colocar seu neo-007 Daniel Craig para a versão norte-americana): é uma trama que trabalha bem a expectativa da audiência com relação ao merecido castigo aos malfeitores. 

A história mostra um repórter investigativo em desgraça, Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist), que é contratado para resolver um caso de desaparecimento cometido há mais de 40 anos. Nas idas e vindas do filme, ele passa a ser ajudado por Lisbeth Salamander (Noomi Rapace), uma hacker que tem sérias questões pendentes relativas à maldade dos homens sobre as mulheres. 

O desenrolar da trama é quase hollywoodiano, no sentido de explicar direitinho as causas antes dos efeitos, o que às vezes torna algumas cenas e reações previsíveis. Mas as interpretações da dupla principal (e de alguns atores secundários) segura o ritmo bem. E é interessante ver como uma sociedade como a sueca – que para nós, brasileiros, parece um longínquo exemplo de bem-estar social – também é capaz de armazenar ódios e transformá-los em rompantes de violência.

Os Homens que Não Amavam as Mulheres pode ser considerado um filme de mistério policial – afinal, a questão que move Mikael e Lisbeth é descobrir o que aconteceu com a sobrinha do milionário Henrik Vanger em 1966. No entanto, o peso psicológico das situações vividas pela hacker, assim como a própria natureza do caso investigado, dão um jeitão de Arquivo X misturado com O Silêncio dos Inocentes ao filme. Há ainda uma trama de fundo – as disputas entre a revista de Mikael, a Millenium, com um milionário – que não foi, na minha opinião, resolvida de forma muito satisfatória. Se bem que a trama pode ter sido retomada nas continuações...

A versão que eu assisti foi a estendida – ou seja, dois filmes de 90 minutos cada. Além desta primeira parte, foram também produzidas as adaptações dos dois livros restantes da trilogia (A Menina que Brincava com Fogo/Flickan Som Lekte Med Elden e A Rainha do Castelo de Ar/Luftslottet Som Sprängdes, ambos também de 2009) – que, por sua vez, também tiveram versões estendidas lançadas no mercado sueco, que foram exibidas na televisão em episódios de 90 minutos cada.

Ficha técnica

Título original:  Män Som Hatar Kvinnor

Ano: 2009

Diretor: Niels Arden Oplev 

Elenco: Michael Nyqvist (Mikael Blomkvist), Noomi Rapace (Lisbeth Salander), Lena Endre (Erika Berger), Sven-Bertil Taube (Henrik Vanger), Peter Haber (Martin Vanger).

Duração (versão estendida): 3 horas

Em busca da juventude perdida

A vingança é um prato que se serve frio.

Khan


Por Sérgio Siscaro

Duelo de titãs!

Em sua segunda investida no cinema, a franquia Jornada nas Estrelas finalmente acertou o tom entre uma boa ficção científica e ação. Dirigido por Nicholas Meyer, Jornada nas Estrelas II: A Ira de Khan (Star Trek: The Wrath of Khan), de 1982, é com justiça lembrado como uma das melhores transposições da série clássica de TV da década de 1960 para a telona.

A classe de 1982...

Em linhas básicas, a trama gira em torno da vingança de um vilão do seriado, Khan (interpretado por Ricardo Montalbán). Criado por engenharia genética, ele e um grupo de super-humanos é exilado da Terra em criogenia no então longínquo ano de 1996. Tentam controlar a Enterprise, falham, e são depositados pelo capitão James T. Kirk em um planeta desolado. Quinze anos depois, é hora do ajuste de contas. Em paralelo a isso, há o desenvolvimento de um projeto científico, o Genesis, com o qual é possível transformar matéria inorgânica em orgânica – ou seja, criar vida praticamente do nada. No comando das pesquisas, uma antiga paixão do capitão Kirk, Carol Marcus, e David – o filho que ele nunca conheceu.

Khan aprontando das suas na série de TV

A história transcorre em um ritmo satisfatório, as interpretações (inclusive as canastronices de Montalbán e Shatner) não comprometem, há novos personagens (além da “família” de Kirk, há ainda a oficial vulcana Saavik, vivida por Kirstie Alley, dos seriados Cheers e Veronica's Closet) e cenas memoráveis – como a introdução de larvas nos capacetes do (agora) primeiro-oficial Pavel Checov e de seu capitão Terrell. E, para este resenhista, o filme é especial por ser um dos primeiros que vi no cinema, e na época em que descobri a série de TV na Bandeirantes.  Mas o grande tema de Jornada nas Estrelas II: A Ira de Khan é a morte – sua proximidade e como lidamos com ela.

Essa linha de fundo fica clara tanto ao se discutir o teste para oficiais do Kobayashi Maru (que só foi resolvido por Kirk, e com trapaça, nos seus tempos de Academia) como com a própria morte de Spock no final do filme. OK, ele volta em Jornada nas Estrelas III: Em Busca de Spock, e isso fica óbvio quando o vulcano inicia uma “fusão mental” com seu eterno “amigão”, o doutor McCoy. Mas é um momento que completa e, de certa forma, resolve o dilema que o capitão Kirk exibia desde o início da película: sua crise de meia-idade, na qual ele não aguentava mais ser um prestigioso almirante da Frota Estelar, no lugar de sentar na cadeira de comando de uma nave e sair navegando pelo espaço. O enfrentamento com Khan, a descoberta de seu filho e a morte de seu melhor amigo farão com que chegue ao final da película querendo mais. E garantindo o futuro da franquia, claro!

 

"Vou perseguir Kirk até as luas de Níbia, até o
Maelstrom de Antares e até as chamas da perdição
antes de desistir!" 

Ficha técnica

Título original: Star Trek: The Wrath of Khan

Ano: 1982

Direção: Nicholas Meyer

Elenco: William Shatner (Kirk); Leonard Nimoy (Spock); DeForest Kelley (McCoy); James Doohan (Scotty); Walter Koenig (Chekov); George Takei (Sulu); Nichelle Nichols (Uhura); Bibi Besch (Carol); Merritt Butrick (David); Paul Winfield (Terrell); Kirstie Alley (Saavik); Ricardo Montalban (Khan).

Duração: 112 minutos

Espadas flamejantes do Oriente

Por Sérgio Siscaro

O instrumento da vingança volta a caminhar nas trilhas dos trópicos. Finalmente estão disponíveis as seis adaptações para o cinema da saga do Lobo Solitário – um dos quadrinhos japoneses mais importantes e viscerais (e bota vísceras nisso!). A resenha de hoje será focada na quarta produção da franquia, Lobo Solitário: Coração de Pai, Coração de Filho (Kozure Okami: Oya no kokoro ko no kokoro), de 1972, dirigido por Takeichi Saitô, que mais tarde também participaria da produção de alguns episódios da série para a TV.

Ogami, prestes a enfrentar alguns ninjas

Mas antes, um pouco de contexto. Criada em 1970 para os mangás destinados a jovens garotos pelo escritor Kazuo Koike e pelo desenhista Goseki Kojima, a série Lobo Solitário se passada no Japão feudal, durante o regime do xogunato Tokugawa. A trama especificamente ocorre em algum momento do século XVIII. Ito Ogami é o kogi kaishakunin do xogum – ou seja, o samurai especializado em decepar as cabeças dos inimigos do Estado quanto estes cometem o seppuku, ou harakiri. Uma disputa pelo poder leva o clã rival dos Yagyu armar uma emboscada a Ogami, o que lhe custa a vida de sua esposa e a desgraça de seu nome. Ele passa então a vagar pelo Japão como um assassino profissional, acompanhado apenas de seu filho pequeno, Daigoro. Além de exímio espadachim, Ogami conta com um carrinho de bebê com lâminas e uma metralhadora escondidas – o que cai muito bem, já que seus oponentes não lhe dão trégua. Nos quadrinhos, a sanguinolência dos combates é sempre pontuada pela filosofia oriental – mesmo a de Ogami, que decidiu renegar os deuses e seguir o caminho do inferno xintoísta.

Quem será a próxima vítima?

Lobo Solitário: Coração de Pai, Coração de Filho adapta e combina algumas histórias da saga em quadrinhos. Ogami é contratado para matar Oyuki, uma temível assassina tatuada, e nesse meio tempo se depara com Gunbei Yagyu – filho renegado de Retsudo Yagyu, arquiinimigo de Ogami. Foi justamente Gunbei que disputou com Ogami o posto de kogi kaishakunin, e perdeu; por essa razão, seu pai o expulsou em desgraça. Há momentos de combate generalizado, claro, mas também uma simetria entre as histórias de pai e filho entre Ogami e Daigoro e entre a assassina Oyuki e seu pai.

Apesar dos efeitos especiais durante as lutas serem hoje vistos como peculiares, a trama é bem amarrada, alternando picos de ação com períodos de calmaria. Apesar de toda a história de fundo, é possível assistir sem ficar perdido na trama – pode-se dizer que há até uma certo excesso de flashbacks, mas não chegam a comprometer o fluir da história. Se você gosta de filmes de samurai, ou de ação em geral, e achou Kill Bill legal, Lobo Solitário: Coração de Pai, Coração de Filho é uma boa pedida! Após ter colocado nas pratelerias a caixa com os seis filmes da série, uma dica para a distribuidora Versátil: lance também o seriado de TV!

Ficha técnica:

Título original: Kozure Okami: Oya no kokoro ko no kokoro

Ano: 1972

Diretor: Takeichi Saitô

Elenco: Tomisaburô Wakayama (Itto Ogami), Yoichi Hayashi (Gunbei Yagyu), Michi Azuma (Oyuki), Akihiro Tomikawa (Daigoro), Tatsuo Endô(Retsudo Yagyu)

Duração: 81 minutos

Guerra Mundial Z - a ameça está entre nós

Por Ana Lucia Venerando

A humanidade está sempre sob ameaça fantasma. E este é justamente o tema do ótimo Guerra Mundial Z, dirigido por Marc Forster - o mesmo de Quantum of Solace. Há muito tempo não assistia a um filme de ação tão bom.

Baseado no livro de Max Brooks, filho do diretor Mel Brooks e um apaixonado pelo tema zumbis (Max também á autor do livro The Zombie Survive Guide),"Z" não é mais um filme de mortos-vivos em busca de cérebros para se alimentar e aterrorizar a plateia. É uma história que nos faz pensar  que o caos pode ser, sim, instalado a qualquer momento. E que, nossa arrogante ideia de que temos tudo sob controle vai por água abaixo quando o desconhecido nós é colocado frente a frente. Será que não foi assim em 11 de setembro?

Bom, vamos ao filme. As cenas iniciais são de telejornais mostrando o caos atual da humanidade: aquecimento global, epidemia de SARS, golfinhos encontrados mortos numa praia qualquer e, por aí vai. Em meio a estas notícias e a panquecas, que começa o o dia da família do ex-agente da ONU Gerry Lane, interpretado por Brad Pitt, também produtor da película e herói na vida real. Aqui vai uma curiosidade: Durante a gravação de uma das cenas de correria, uma figurante caiu e foi pisoteada. A situação só não ficou pior porque o maridão de Jolie ajudou a moça a se levantar.

O filme não cai no chavão de se estender nas cena da família feliz ou de ficar apresentando personagem por personagem. Logo logo o caos está instalado. Centenas de zumbis já correm pelas ruas de Manhattan. Sim. Eles correm. E como correm. Esqueça aqueles zumbis vagarosos. E não é um mal que acomete apenas os EUA. É uma pandemia. Governos caem, presidentes morrem e povos rivais se unem.

Ninguém sabe qual exatamente a origem da peste. Mas a preocupação maior de Gerry é como combater a horda de zumbis. Até porque a segurança de sua família depende do sucesso de sua missão. Assim como o 007, aqui o agente do ONU percorre vários países onde vai pegando migalhas de pistas para que possar encontrar uma camuflagem que ajude a humanidade.

Momentos ótimos com zumbis infestando um avião ou escalando os muros que mantinham Israel intacta.

Vale muito conferir. Ação do começo ao fim. E nada de mão pesada nos clichês que, em um filme como este, é difícil não incluir.

Ah... este pode ser o primeiro de um trilogia. Quem sobreviver, verá.



Ficha Técnica:

Título original: World War Z
Elenco: Brad Pitt, Mirelle Enos, Eric West,
Direção: Marc Forster
Tempo de duração: 116 minutos

Tempos bicudos

Por Sérgio Siscaro

O direito à revolução é reconhecido por todos, isto é, o direito de negar lealdade e de oferecer resistência ao governo sempre que se tornem grandes e insuportáveis sua tirania e ineficiência.

Henry David Thoreau, A Desobediência Civil

Agitação social. Diversas camadas da sociedade vão às ruas – politizados ou não, exigem soluções para suas demandas. A classe política é vista com desconfiança. As forças da repressão utilizam agitadores profissionais para esquentar a temperatura do caldeirão. Protestos no Brasil em 2013? Não, mas as similaridades são preocupantes: trata-se do filme Z, de Costa-Gravas, um clássico do cinema político, focado na situação da Grécia pouco antes do país entrar na chamada “ditadura dos coronéis” (1967-1974).

O enredo tem como figura focal um deputado de esquerda, interpretado por Yves Montand, que vai fazer um comício – e esbarra em diversos obstáculos colocados pela direita, aqui representada principalmente pelos militares. E acontece o inevitável: enquanto o exército assiste passivamente, ele é atacado por manifestantes pagos pela repressão, e o filme passa a girar em torno das mil e uma maneiras pelas quais tenta-se acobertar a manobra. Resta a um procurador (vivido por Jean-Louis Trintignant) tentar encontrar o fio da meada.

Baseado no livro de Vassilis Vassilikos, o filme ficionalizou os acontecimentos em torno da morte do político grego Grigoris Lambrakis, em 1963, e chegou em um momento delicado: quando Z foi lançado, a Grécia já vivia em regime ditatorial.

A vontade de colocar o dedo na ferida é uma constante na cinebiografia de Costa-Gravas. Um ano após Z viria A Confissão (L’Aveau, 1970), focado nas ditaduras do Leste Europeu; Estado de Sítio (État de Siège, 1972),  que trata da repressão na América Latina – no caso, Uruguai; e Desaparecido: Um Grande Mistério (Missing, 1982), novamente no Cone Sul, desta vez abordando os desaparecidos do regime de Augusto Pinochet no Chile.

Ficha técnica:

Título original: Z

Ano: 1969

Diretor: Costa-Gravas

Elenco: Yves Montand (Z), Irene Papas (Hélène), Jean-Louis Trintignant (promotor), Jacques Perrin (fotógrafo).

Duração: 127 minutos

Attica! Attica!

Por Sérgio Siscaro

Existem vários filmes de crimes perfeitos, que mais parecem um manual de como planejar e executar uma ação dessas - seja roubando um banco, um cassino ou o Forte Knox. Mas Um Dia de Cão (Dog Day Afternoon), de Sidney Lumet, vai na contracorrente: se o filme ensina algo, é como não assaltar um banco.

A história é simples: Sonny (Al Pacino) e Sal (John Cazale) decidem assaltar uma agência bancária na hora de encerramento do expediente.  No decorrer do filme descobrimos que Sonny quer, com o dinheiro da ação, bancar uma operação de troca de sexo em seu amante. Só que, desde o começo, tudo sai errado: há pouco dinheiro no cofre, e um descuido acaba chamando a atenção da polícia. Só resta manter os reféns como forma de negociação.

Tudo sob controle!

O filme não é uma comédia - talvez seja mais adequado classificá-lo como uma tragédia cômica. A falta de preparo dos dois larápios se soma às reações dos reféns e ao circo midiático que se forma em torno do banco. É hilária a cena em que Sonny reclama da brutalidade policial aos gritos de "Attica, Attica!" (em referência a um massacre na prisão novairquina de mesmo nome, em 1971)...

Tanto Pacino quanto Cazale - que haviam contracenado juntos nas duas primeiras partes de O Poderoso Chefão - estão muito bem à vontade no filme: o primeiro como alguém que toma as decisões, mas não quer machucar ninguém; e o segundo como uma autêntica bomba prestes a estourar, custe o que custar. 

Isso não vai dar certo...

A direção de Lumet (conhecido por filmes como Rede de Intrigas, Gloria e Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto) é ágil e eficaz, passando um pouco da claustrofobia do interior da agência bancária e da sensação de "beco sem saída" dos protagonistas na segunda metade do filme. 

Em suma: é um dos grandes filmes subestimados do cinema norte-americano da década de 1970. Faça um favor a você mesmo(a) e vá assistir!

Ficha técnica

Título original: Dog Day Afternoon
Ano de produção: 1975
Direção: Sidney Lumet
Elenco: Al Pacino(Sonny), John Cazale (Sal), Penelope Allen (Sylvia), Lance Henriksen (Murphy)
Duração: 125 minutos

O nome ainda é Bond. James Bond.

Por Sérgio Siscaro

Após quarenta anos de continuidade, a franquia 007 resolveu se reinventar no cinema. No lugar de novamente trocar o rosto do agente de Sua Majestade, James Bond, os novos produtores fizeram um reboot: começamos do zero, com o espião britânico iniciando suas missões como o espião com licença para matar. E, para tanto, nada mais natural que começar com o primeiro livro de Ian Fleming sobre Bond: Cassino Royale.

A história, lançada em abril de 1953 (sim, fez 60 anos!), não teve nenhuma versão na "cronologia oficial" dos 20 filmes feitos para o cinema. Mesmo assim, recebeu duas versões: uma para a TV norte-americana, na década de 1950; e outra, paródica, com David Niven e Woody Allen. 

O novo filme conseguiu injetar ânimo na franquia 007? Sim e não. Por um lado trouxe um lado pé-no-chão (apesar dos feitos impossíveis) para o universo bondiano, aproximando-o de filmes de pancadaria mais recente, como os da série Bourne. Por outro, apenas roçou na mitologia de 007 - que, com seus vilões absurdos, traquitanas improváveis e bond-girls às pencas, caracterizavam os filmes de Bond como... filmes de Bond! Essa escolha ficou mais nítida ainda no segundo filme (em breve sairá essa resenha).

Façam suas apostas...

Voltando a Cassino Royale. Um ponto interessante do filme é que mostra um Bond ainda descuidado, sem o controle total da situação que esperaríamos de um Sean Connery. A trama gira em torno da necessidade de desmascarar um banqueiro internacional, Le Chiffre, que financia o terrorismo. O palco? Um cassino de Montenegro (e não Monte Carlo, como se poderia esperar). Há referências à "mitologia 007" aqui e ali, personagens recorrentes ("M", claro, e também o agente da CIA, Felix Leiter).

Bond-girl? Bom, se é um filme de "origem secreta" do super-agente britânico, talvez a escolha por apenas um interesse, digamos, romântico, se justifica. E terá graves repercussões no restante da franquia. 

Um bom filme de ação; se por um lado o ator Daniel Craig não tem muito a ver com um Bond novato (seria talvez uma versão mais outonal no agente), por outro não constrange. Mas a trama poderia ser mais 007...

Ficha técnica

Título original: Casino Royale
Ano: 2006
Direção: Martin Campbell
Elenco: Daniel Craig (James Bond), Eva Green (Vesper Lynd), Mads Mikkelsen (Le Chiffre), Judi Dench (M), Jeffrey Wright (Felix Leiter), Giancarlo Giannini (Rene Mathis)
Duração: 2h24min

Audazes e malditos

– É Django. Com D mudo!

– Eu sei.

Diálogo entre Djangos

Por Sérgio Siscaro

Não havia como Tarantino errar. Um filme tratando de uma de suas obsessões mais caras (o faroeste), com direito a um grande elenco, orçamento idem e mais de duas horas de projeção. O resultado é Django Livre (Django Unchained), uma fantástica homenagem ao bom e velho western spaghetti, familiar aos brasileiros que assistiam às sessões de Bangue-Bangue à Italiana, décadas atrás.

O estilo do diretor - que pode ser caracterizado por violência, diálogos inteligentes e situações impossíveis - foi  transplantado com sucesso para os EUA do século XIX. A história conta a saga de vingança de um ex-escravo (Jamie Foxx, de Ray), que tem a missão de resgatar a amada das garras do latinfundiário Calvin Candie (em uma ótima atuação de Leonardo DiCaprio). Para tanto, conta com a ajuda de um alemão, o doutor King Schultz (Christoph Waltz, que viveu o hilário coronel Hans Landa em Bastardos Inglórios, também de Tarantino), que o inicia na fina arte de ser um caçador de recompensas.

Explicando os macetes da vida de bounty hunter

O caminho para cumprir essa demanda é árduo, e oferece a oportunidade de conhecermos personagens bizarros - como o sádico que cola páginas da Bíblia na roupa e recita versículos enquanto chicoteia escravos. 

O título, como os cinéfilos mais veteranos devem ter percebido, faz referência a Django, filme de 1966 dirigido por Sergio Corbucci, no qual o ator Franco Nero vivia um pistoleiro que entra em uma cidade arrastando... um caixão! Aliás, o próprio Nero faz uma aparição neste filme de Tarantino – lembrando outra característica do diretor, que é a de ressucitar velhos talentos da Sétima Arte.

O Django original, antes (acima) e agora (abaixo)

Django também traz um velho parceiro de Tarantino, o ator Samuel L. Jackson, impagável como Stephen, um escravo lambe-botas de Calvin Candie. E, em pontas ao longo do filme, traz aparições rápidas do próprio Tarantino e de Tom Savini - responsável pela maquiagem (?) de vários filmes de terror gore (inclusive os mortos-vivos de George Romero) e diretor da refilmagem de A Noite dos Mortos-Vivos (Night of the Living Dead) de 1990.

Cuidado, senhor de escravos insano à vista!

Ficha técnica

Título original: Django Unchained

Ano de lançamento: 2012

Direção: Quentin Tarantino

Elenco: Jamie Foxx (Django), Christoph Waltz (Dr. King Schultz), Leonardo DiCaprio (Calvin Candie), Kerry Washington (Broomhilda von Schaft), Samuel L. Jackson (Stephen)

A cimitarra (encantada) era a lei

Por Sérgio Siscaro

Um dos pontos mais importantes que deve ser respeitado em filmes históricos é a reconstrução fiel (ao menos no que se refere ao conhecimento atual) do passado. Nas últimas décadas, Hollywood tem levado à telona super-produções que buscam reconstituir minuciosamente os figurinos, a arquitetura e os hábitos de povos antigos – ainda que a sua reconstituição psicológica ainda seja subordinada aos roteiros convencionais e ao desejo de colocar frases, modos de pensar e de viver atuais em pessoas de séculos atrás, mais ou menos sutilmente.

E como eram feitos antes esses filmes? Ora, eles basicamente transformavam o passado em um parque temático, no qual atores e atrizes tipicamente norte-americanos encarnavam egípicios, vikings, índios ou samurais sem o menor pudor. A ideologia desses filmes era sempre a mesma: o mocinho se dava bem no final ao conquistar a mocinha e as graças da nobreza. Vistas hoje, essas produções – que nem sempre se levavam muito a sério – são autênticas comédias.

Uma delas é A Espada de Damasco (The Golden Blade), de 1953, dirigida por Nathan Juran – o  mesmo de Simbad e a Princesa (The 7th Voyage of Sinbad/1958), e de alguns episódios da série de TV O Túnel do Tempo (The Time Tunnel), na década de 60. O filme era, basicamente, um veículo de promoção do então jovem ator Rock Hudson, que interpreta o valente Harun em uma Bagdá de As Mil e Uma Noites misturada com Camelot. Ele acaba encontrando a mítica espada de Damasco, que confere a seu detentor o poder político – ou seja, um trono – caso ele seja digno de tal. 

Os ecos de da história de Arthur e os cavaleiros da Távola Redonda são ensurdecedores; não falta nem mesmo o episódio de se retirar a espada da pedra! Um autêntico A Espada era a Lei (o desenho da disney The Sword in the Stone/1963), feito uma década antes! Claro que, no final, Harun fica com a mocinha Khairuzan – interpretada por Piper Laurie, que, quase um quarto de século depois, faria a tresloucada Margaret White, mãe da protagonista em Carrie, a Estranha (Carrie/1977).

Os anacronismos, clichês e absurdos são um espetáculo à parte – e vão gerar um sorriso de qualquer um que tenha assistido a algum episódio “épico” de O Túnel do Tempo. Das placas e inscrições escritas em inglês ao mágico chinês da corte do califa, passando pelo torneio medieval (com trajes europeus!) e à canastronice do elenco (nesse quesito, Hudson se destaca), A Espada de Damasco pode ser vista como uma espécie de “atração-vovó” da Sessão da Tarde. 

Ficha técnica

Título original: The Golden Blade

Ano de lançamento: 1953

Direção: Nathan Juran

Elenco: Rock Hudson (Harun), Piper Laurie (Khairuzan), Gene Evans (Hadi), George Macready (Jafar), Kathleen Hughes (Bakhamra), Steven Geray (Barcus), Edgar Barrier (o califa)

Honra samurai

Because something is happening here

But you don't know what it is

Do you, Mister Jones ?

Bob Dylan

Por Sérgio Siscaro

Na história, os momentos de transição oferecem uma excelente matéria prima para adaptações cinematográficas. Por essa razão, a coexistência nem sempre pacífica entre o velho e o novo, entre a tradição e a modernidade, inspirou vários roteiristas que levaram esses conflitos para as telonas. O Último Samurai (2003), de Edward Zwick (de Tempo de Glória, Nova York Sitiada, Diamante de Sangue, Um Ato de Liberdade), se insere nessa tradição.

No caso desse filme, o momento de transição é o início da Restauração Meiji no Japão – quando o imperador passou a concentrar poderes antes nas mãos do xogunato, ao mesmo tempo em que deixou a política isolacionista do país para trás e começou a ir atrás de ideias ocidentais para se modernizar. Esse processo foi bem-sucedido, ao menos do ponto de vista material: no início do século XX, o Japão já vencia uma potência como a Rússia czarista nos campos de balhata.

Mas O Último Samurai não é sobre as consequências de longo prazo das reformas, mas sobre seu impacto imediato – ou seja, o fim de um mundo marcado pelo domínio do xogum e dos senhores de terras, que tinham apoio na classe dos samurais. O capitão norte-americano Nathan Algren (Tom Cruise), veterano da Guerra da Secessão e traumatizado pelas campanhas de extermínio promovidas por Washington contra os índios, vai ao Japão atuar como consultor militar do imperador.

Ao chegar no Império do Sol Nascente, a prioridade de Algren é a de preparar o exército japonês, que seguia os moldes ocidentais, a enfrentar os últimos bolsões de resistência dos samurais. Essa oposição ao regime foi personificada no filme pelo líder samurai Katsumoto (Ken Watanabe, de Batman Begins, Cartas de Iwo Jima, A Origem) – que irá convencer o capitão Algren de que valores como honra a uma causa ainda são importantes.

O filme de Zwick segue o esperado tradicionalismo das produções hollywoodianas: é didático e linear, tem personagens simplificados (o bom, o mau, o honrado, o aproveitador), os conflitos sociais e econômicos são varridos para debaixo do tapete etc. Além disso é uma história de redenção, com um inevitável happy ending! E talvez não poderia ser diferente, dado o status de O Último Samurai como uma produção cara, cujo protagonista principal era o ator Tom Cruise.

Apesar desses defeitos, O Último Samurai tem claros méritos. Apresenta à audiência um pedaço da história que não é muito conhecido no Ocidente; reúne um conjunto muito bom de atores, destacando-se Cruise, Watanabe e mesmo alguns dos coadjuvantes, como o samurai Ujio (Hiroyuki Sanada, de Ring: O Chamado e da série de TV Lost), que tem pouquíssimas falas no filme. As cenas de luta são bem coreografadas, e a fotografia não é nada má. Mas poderia ousar mais.  

Ficha técnica

Título original: The Last Samurai

Ano: 2003

Direção: Edward

Elenco: Tom Cruise (capitão Algren), Ken Watanabe (Katsumoto), Tony Goldwyn (coronel Bagley), Timothy Spall (Simon Graham), Hiroyuki Sanada (Ujio)